Damian Zimmermann

Das Projekt “Switcheroo” von Hana Pesut kenne ich schon länger und will es eigentlich schon seit Monaten hier vorstellen, aber aus verschiedenen Gründen hat sich das immer wieder verschoben. Nun klappt es aber doch noch – und das ausgerechnet am heutigen Weltfrauentag, was ein sehr passender Zufall ist.

Denn in “Switcheroo” geht es vor allem um Geschlechterrollen – heute gerne unter dem Sammelbegriff “Gender” zusammengefasst. Pesuts Serie spielt im wahrsten Sinne des Wortes mit unseren Erwartungen, die wir an das Auftreten von Männern und Frauen haben – denn obwohl man das Prinzip von “Switcheroo” eigentlich vom ersten Bild an durchschaut (ein heterosexuelles Paar lässt sich fotografieren und anschließend tauschen die beiden ihre Kleidung und jeder nimmt die Körperhaltung des anderen vom ersten Foto ein, und sie werden erneut fotografiert), gibt es immer wieder Bilder, die man erst auf den zweiten oder gar dritten Blick versteht. Dabei sind es nie die Frauen in den Männerrollen, die uns verwirren, sondern eigentlich immer nur die grobschlächtigen Männer in den viel zu kleinen und bunten Frauenkleidern.

Dieser Trick funktioniert meiner Meinung deshalb besonders gut, weil Pesut in ihren Bildern die Personen, nicht aber die Kleidung die Position wechseln lässt: Das elegante Abendkleid bleibt in beiden Fotografien auf der rechten Seite, nur die Person in den Klamotten ist eine andere. Die Fotografin hätte ja auch genauso die Personen an den gleichen Stellen stehen und bloß die Kleidung die “Position” wechseln lassen können, aber das Konzept wäre deutlich langweiliger weil durchschaubarer gewesen.

So jedoch schauen wir uns die Bilder an und sind verwirrt. Und wir sind auch deshalb verwirrt, weil wir nach dem Fehler schauen müssen. Frauen in Männerkleidung sind wir mittlerweile gewohnt, Männer in Frauenkleidung hingegen nicht. Das funktioniert natürlich besonders gut, wenn Kleider und Röcke und besonders bunte Klamotten ins Spiel kommen – bei dem Paar, bei dem beide die gleiche langweilige Unisex-Kleidung wie eine urbane Uniform tragen, macht es eigentlich keinen Unterschied. Und wenn Männer ausgeflippte Hosen und Shirts tragen, weiß man übrigens auch nicht genau, welches jetzt eigentlich das Vorher- und welches das Nachher-Bild ist.

Man kann die Serie also als Metapher auf unsere sich im Wandel befindlichen Gesellschaft sehen. Die Emanzipation der Frauen funktioniert, allerdings nur, wenn sie sich den Männern anpassen. Umgekehrt werden Männer in Frauenrollen (sei es als Kindergärtner oder als Hausmann) noch immer schräg angeschaut. Emanzipation ist aber keine Einbahnstraße, sie muss in beide Richtungen funktionieren. Und es kann nicht sein, dass Emanzipation bedeutet, die eigene (weibliche) Rolle aufzugeben. Das setzt natürlich voraus, dass das auch beide Geschlechter wollen. Frauenkleider möchte ich deshalb allerdings trotzdem nicht unbedingt anziehen.

Link: Hana Pesut, Switcheroo

Wann ist ein Porträt ein Porträt? Dieser Frage gehen viele Fotografen nach, erst kürzlich habe ich hier die Langzeit-Porträts von Michael Wesely vorgestellt.

Auch Martina Bacigalupo geht in “Gulu Real Art Studio” (Steidl Verlag, 38 Euro) dieser Frage nach und zeigt uns das, was von Fotos übrig bleibt, wenn das offizielle Porträt für den Auweis mit einer Schablone aus ihnen herausgeschnitten wurde. Wir schauen auf Menschen, die auf einem Schemel sitzen. Fast immer gut gekleidet, zurechtgemacht fürs Passfoto. Die Hände brav auf den Oberschenkeln abgelegt, manchmal spielen sie mit den Fingerspitzen. Aber immer sind sie ohne Gesicht: An der Stelle des Kopfes blicken wir in ein weißes Rechteckt mit abgerundeten Ecken, das sich wie ein übergroßer Zensur-Balken übers Bild zu schieben scheint. Das, was wir nun sehen, war eigentlich für den Abfall gedacht. Und das, was wir nicht sehen, ist das Bild, dass der Staat von den Menschen haben will, um sie identifizieren zu können.

Aufgenommen wurden die Bilder im ältesten Fotostudio in Gulu im Norden Ugandas. Bacigalupo schafft mit ihrer Sammlung (nur scheinbar) immer gleicher Bilder eine Typologie einer Gemeinschaft – so präzise und subtil, wie es klassische Porträts kaum können.

Link: Steidl

Amazon: Gulu Real Art Studio

Wir alle haben die Schreckensbilder vor Augen, die nach dem Erdbeeben von Tōhoku und dem dadurch ausgelösten Tsunami mit dem anschließenden Super-Gau von Fukushima um die Welt gingen. Der deutsche Fotograf Hans-Christian Schink ist ein Jahr später in die Region gereist und hat das zerstörte Küstengebiet dokumentiert. Dass er sich dabei der Bildsprache des New Topographic bedient, unterscheidet ihn von anderen Fotografen wie beispielsweise Paolo Pellegrin, gegen dessen Schwarzweiß-Trümmer-Ästhetik sich kein Betrachter wehren kann. Schinks Aufnahmen wirken hingegen sehr präzise, aber unaufdringlich komponiert und zurückhaltend im Ausdruck. Es sind Landschaften, die erst vom Menschen „zerstört“ weil verändert wurden, und die die Natur nun wiederum zerstört und sich somit zurückerobert hat.

Am ergreifendsten und vielschichtigsten ist dabei die Aufnahme, in der Schink von einem Hügel aus auf die Ōtsuchi-Bucht herunter fotografiert hat: Im Hintergrnd sehen wir friedlich das Meer, in der Bildmitte das zerstörte Land mit wenigen restlichen Häusern – und im Vordergrund den unberührten Friedhof, auf dem sich die Bewohner während des Tsunamis gerettet haben. Mich erinnert die Aufnahme auch an “Bethlehem, Pennsylvania”, das 1935 Walker Evans und 51 Jahre später Bernd und Hilla Becher als Hommage an Evans aufgenommen haben.

Die Ausstellung ist noch bis zum 6. April im Forum für Fotografie, Schönhauser Straße 8, Köln zu sehen. Im Hatje Cantz Verlag ist zudem das Buch “Tōhoku” erschienen. Es hat 132 Seiten und kostet 39,80 Euro.

Link: Forum für Fotografie

Amazon: Hans-Christian Schink: Tohoku

Für dieses Buch benötigt man beinahe einen Beistelltisch – immerhin misst es stolze 44 mal 34 Zentimeter. In ein mehr oder weniger normales Bücherregal passt es somit auch nicht ohne Weiteres hinein.

Ich halte das für ziemlich übertrieben (vor allem deshalb, weil die Bilder lediglich die Hälfte der Seiten einnehmen), dennoch ist „Hustlers“ (erschienen bei Steidl, 98 Euro) ein wunderbares Buch geworden. Es zeigt nicht nur die „pikanteste“, sondern auch eine der stärksten Serien des US-Fotografen Philip-Lorca diCorcia, für die er zwischen 1990 und 1992 (überwiegend) männliche Prostituierte in Los Angeles fotografiert hat. Allerdings nicht in seiner für ihn typischen Technik, mit der er Passanten auf der Straße völlig überrascht, sondern als aufwendige Inszenierungen, für die er seine Stricher in vorher arrangierten Locations wie auf Bühnen platziert hat, wo sie in hopperesker Einsamkeit erstarren. Die Bildtitel verraten nicht nur Name und Alter, sondern auch, wieviel Geld die Modelle für das Foto erhalten haben.

Sehr gut gefällt mir übrigens der zweite Teil, der uns Blicke in diCorcias Shooting-Notizen mit persönlichen Anmerkungen zu seinen Models gewährt sowie uns Alternativ-Bilder der jeweiligen Shootings zeigt.

Link: Steidl

Amazon: Hustlers

Ich habe bis vor kurzem noch nie etwas von dem DDR-Fotografen Thomas Billhardt (Jahrgang 1937) gehört. Das hat sich nun zum Glück geändert, denn die Edition Braus hat eine Monographie herausgebracht, die mir die Bilder dieses Fotojournalisten etwas näher gebracht hat.

Am stärksten beeindruckt bin ich natürlich von seinen Gegensätzen, die er oft in einem einzigen Bild vereint. Das Liebespaar mit den umgeschnallten Gewehren zum Beispiel. Honecker und Breschnew, die beim sozialistischen Bruderkuss beobachtet werden. Oder der abgeschossene US-Bomberpilot, der von einer zierlichen Vietnamesin abgeführt wird.

Meine Besprechung ist in der neuen Ausgabe der Photographie erschienen und gibt es hier als PDF.

Link: Edition Braus

Amazon: Thomas Billhardt. Fotografie

Leider habe ich beim diesjährigen Duesseldorf Photo Weekend nur sehr wenige Ausstellungen gesehen. Irgendwie hing ich viel zu lange im NRW-Forum fest, das extrem gut besucht war: Neben den Ausstellungen zu Duane Michals und zum Thema “Heimat” mit Arbeiten aus der DZ Bank Kunstsammlung (leider eher enttäuschend) fand im Obergeschoss noch das von Sinaida Michalskaja, Thomas Artur Spallek und Shahin Zarinbal veranstaltete öffentliche Portfolio Review statt. Außerdem wurde der Fotobuch-Salon des letzten Jahres durch ein Magazin-Salon ersetzt. Der bestand zwar nur aus ein paar Tischen, auf dem Fotomagazine zur Ansicht auslagen, aber die Idee ist dennoch sehr schön: Der Greif, dienacht und Kraut legen gerade ein Archiv internationaler Fotomagazine an, das sie auf diversen Festivals präsentieren wollen.

Außerhalb des NRW-Forums ist mir vor allem eine kleine Serie in Erinnerung geblieben: In “Montags geschlossen” beschäftigt sich Julia Reschucha mit Ausstellungsräumen in Museen, das Nebeneinander von Profanem und Besonderem, Poetischem und Nüchternem, bei dem man nicht immer weiß, was nun Teil der (inszenierten) Ausstellungen und was bloß Entdeckungen im Museumsalltag sind. Der Zauber vieler Bilder entsteht durch Reschuchas geschicktes Spiel mit den Ebenen und Flächen, die mich sofort an das geordnete Chaos in den Fotografien von Wolfgang Zurborn erinnert haben. Andere Bilder folgen wiederum eher der Spannung, die sich zwischen der Museumsarchitektur und den Besuchern in ihr entwickelt und hin und wieder tanzt auch mal ein Bild gestalterisch völlig aus der Reihe. Dennoch finde ich “Montags geschlossen” eine sehr schöne Arbeit und auch die Präsentation im Walzwerk Null (bis 15. Februar) hat mir sehr gut gefallen, so dass ich nur hoffen kann, dass Julia Reschucha ihre Arbeit an der Serie fortsetzen wird.

Links: Julia Reschucha, Duesseldorf Photo Weekend, Walzwerk Null

Die Photoszene präsentiert von Freitag, 31. Januar, bis Sonntag, 2. Februar, ihre Edition in der Photographischen Sammlung/SK Stiftung Kultur (Im Mediapark 7). Die 19 Arbeiten stammen von Boris Becker, Peter Bialobrzeski, Frank Breuer, Chris Durham, Boris Eldagsen, Albrecht Fuchs, Andreas Gefeller, Pepa Hristova, Matthias Jung, Michael Lange, Tamara Lorenz, Irina Ruppert, Linn Schröder, Oliver Sieber, Katja Stuke, Anna Vogel, Petra Wittmar, Tobias Zielony und Wolfgang Zurborn. Die Ausstellung ist an allen drei Tagen von 14 bis 19 Uhr geöffnet.

Die Hälfte des Gewinns geht an die Photoszene, die damit ihr Startkapital aufstocken will, um im August/September das traditonelle Fotofestival in Köln mit zusätzlichen Veranstaltungen wie Vorträge, Workshops, Diskussionen, Führungen und einem Portfolio-Review zu finanzieren. Die Schwerpunktwoche wird vom 16. bis 21. September sein, doch bereits am 19. August wird es zum 175. Geburtstag der Fotografie eine große Auftaktveranstaltung geben.

Links: Photoszene, SK Stiftung Kultur

Die Nachricht, dass Markus Hartmann seinen langjährigen Job als Programmleiter beim re­nom­mierten Hatje Cantz Verlag hinwerfen will, kam im Sommer vergangenen Jahres für viele vollkommen überraschend und ging wie ein Lauffeuer durch die Fotobuchbranche. Umso schöner, dass mir das Freelens Magazin die Möglichkeit gab, ein ausführliches Abschluss-Interview mit Markus Hartmann zu führen, in dem ich mit ihm via Skype über seinen Abschied, gute und schlechte Fotobücher, Marketingstrategien und die Zukunft der gesamten Branche sprechen konnte. Das komplette Interview bekommt ihr hier als PDF.

Gleichzeitig möchte ich allen Fotobuch-Liebhabern das gesamte Ausgabe 34 des Freelens Magazins ans Herz legen: Es ist richtig gut geworden! Chefredakteur Peter Lindhorst und Herausgeber Lutz Fischmann haben eine hervorragende Auswahl an Themen und Autoren gefunden – unter anderem hat Sophia Greiff mit dem Verlagsvertreter Kurt Salchli gesprochen, Klaus Honnef hat sich Gedanken über das Medium Fotografie und die Darstellungsformen in Ausstellungen und in Büchern gemacht, Hans-Michael Koetzle hat das Paradoxon des Fotobuch-Booms unter die Lupe genommen und Michael Klein nennt gelungene Beispiele von Fotobüchern, die im Eigenverlag erschienen sind.

Das Freelens Magazin kostet 5 Euro und kann entweder über Freelens direkt oder aber über einige wenige Verkaufsstellen (siehe Foto) bezogen werden.

Links: Freelens, Hatje Cantz

Wann ist ein Porträt ein Porträt? Kann man einen Menschen überhaupt porträtieren? Oder zeigt man als Fotograf letztlich doch immer nur sich selbst?

Das sind Fragen, mit denen ich mich immer wieder beschäftige, und im Laufe der Zeit habe ich gemerkt, dass es auch andere Fotografen tun (vor allem im Gegensatz zu den meisten Nicht-Fotografen, die sich schon mehrfach in meiner Gegenwart gewundert haben, dass diese Frage für Fotografen überhaupt so wichtig ist).

Einer von ihnen ist Michael Wesely – zumindest ist das EIN Aspekt seiner Arbeit. Er geht immer den Abbildungsmöglichkeiten des Mediums Fotografie auf den Grund und bedient sich dabei konsequent dem Mittel der Langzeitbelichtung. Manchmal macht er dadurch Veränderungen sichtbar, die erst während eines ungewohnt langen Zeitraums entstehen wie beispielsweise das Verblühen von Blumen in einer Vase oder die städtebaulichen Veränderungen auf dem Potsdamer Platz in Berlin (wofür er seine Bilder bis zu 34 Monate lang belichtet hat!).

In dem nun erschienenen Buch “Portraits 1988 – 2013″ sind seine Menschenbilder aus den letzten 25 Jahren versammelt. Fünf Minuten hat er jedes einzelne Bild belichtet, in Ausnahmefällen sogar 20 Minuten. In dieser Zeit durften sich die Personen nicht bewegen – zumindest dann, wenn sie möglichst scharf und “realistisch” abgebildet werden wollten. Weil das niemand schafft, schauen wir den Abgebildeten ins Gesicht und finden dort meist bloß ein schemenhaftes Etwas ohne erkennbare Gesichtszüge.

Was wird plötzlich wichtig, wenn wir kein Gesicht mehr sehen? Und welche Veränderungen, und seien sie noch so klein und unbedeutend, werden sichtbar? Man sieht, dass jemand das Standbein gewechselt hat oder dass die Kinder auf dem Schoß unruhig wurden. Vielleicht bekam jemand Rückenschmerzen, vielleicht musste er auch einfach nur gähnen. Gleichzeitig schenkt man den Details drumherum (mehr) Aufmerksamkeit – vielleicht aus Langeweile, vielleicht auch einfach aus Neugier, weil man etwas über die Person wissen will, die man sieht und doch nicht erkennen kann. Man betrachtet die Kleidung ud die Umgebung, sieht Bücherregale oder Sessel, Privat- oder Geschäftsräume und beginnt, sich über diesen Umweg ein Bild zu machen.

Thomas Struth ist das Thema in seinen Video-Porträts, in denen die Personen eine quälende halbe Stunde lang ruhig sitzen oder stehen und dabei in die Kamera schauen sollten, genau andersherum angegangen: Auf den ersten Blick glaubt man, man sehe ein Foto. Erst danach realisiert man, dass es ein Bewegtbild ist, dass scheinbar zum Stillstand gekommen ist. Bei Wesely ist es umgekehrt: Das Standbild gerät in Bewegung. Was beide, Wesely und Struth, vereint, ist, dass sie mit den Erwartungen des Betrachters genauso wie mit den Möglichkeiten des jeweiligen Mediums spielen. Und beides auf eine unheimlich intensive und auch ästhetische Art.

Das Buch “Portraits 1988 – 2013″ ist im Distanz Verlag erschienen. Es hat 368 Seiten und kostet 44 Euro. Außerdem zeigt die Galerie Fahnemann in Berlin noch bis zum 15. Februar die Ausstellung “Another pencil of nature” von Michael Wesely.

Link: Distanz, Fahnemann

Amazon: Michael Wesely: Portraits 1988-2013

Am 7. Februar werden die Olympischen Winterspiele im russischen Sotschi eröffnet – und damit erstmals in einer subtropischen und von Konflikten geprägten Region. Der Fotograf Rob Hornstra und der Autor Arnold van Bruggen sind aus diesem Grund seit 2009 insgesamt elf Mal in die Kaukasusregion gereist – um zu dokumentieren, zu beobachten und zu verstehen. “The Sochi Project” balanciert zwischen engagiertem Journalismus und Kunst, finanziert wurde es zudem zum überwiegenden Teil über Crowdfunding.

Im Standard aus Wien ist heute mein Artikel dazu erschienen – und zwar im Sportteil, was ich persönlich ziemlich gut finde: Bislang hat “The Sochi Project” vor allem Aufmerksamkeit aus der Kunstszene erhalten, aus dem Bereich Sport hat sich bislang eigentlich fast nie jemand für die Probleme vor Ort interessiert. Schön, dass sich das ändert.

Im Fotomuseum Antwerpen läuft übrigens noch bis zum 2. März die große Ausstellung zu “The Sochi Project”. Und ab 31. Januar ist eine kleinere Version in der Galerie Fotohof in Salzburg zu sehen.

Links: The Sochi Project, FotoMuseum Antwerpen, Fotohof

Amazon: The Sochi Project: An Atlas of War and Tourism in the Caucasus